Noir & blanc : une esthétique de la photographie

Le noir et blanc est indissociable de l’histoire de la photographie : ses évolutions, de la fin du XlX^e siècle à aujourd’hui, en ont révélé la force plastique. Alors que le recours à la couleur s’intensifie à partir des années 1970, le noir et blanc se réinvente comme un moyen d’expression esthétique affirmé mettant l’accent sur le graphisme et la matière. La photographie en noir et blanc demeure moins onéreuse et plus simple mais sa persistance jusqu’à aujourd’hui s’explique surtout par le fait qu’elle a fini par incarner l’essence même de la photographie. Elle apparaît comme porteuse d’une dimension universelle, intemporelle voire mémorielle, là où la couleur serait la traduction du seul monde contemporain.

L’exposition aborde la question du noir et blanc sous un angle esthétique, formel et sensible en insistant sur les modes de création de l’image : effets plastiques et graphiques de contrastes, jeux d’ombres et de lumières, rendu des matières dans toute la palette des valeurs du noir au blanc. L’accent a été mis sur les photographes qui ont concentré et systématisé leur création artistique en noir et blanc, en ont expérimenté les possibilités et les limites ou en ont fait le sujet même de leur photographie tels Man Ray, Ansel Adams, Ralph Gibson, Mario Giacomelli ou Valérie Belin. Une attention particulière a été portée à la qualité des tirages, à la variété des techniques et des papiers photographiques, mais aussi à l’impression du noir et blanc, les livres et revues ayant été longtemps le principal relais auprès du public de la création photographique.

L’exposition donne ainsi à voir la richesse et l’étendue des collections photographiques de la BnF. Parmi les plus riches au monde avec quelque six millions de tirages, celles-ci sont particulièrement représentatives de cette foisonnante histoire de la photographie en noir et blanc.