Un festival « Immersion Danse » tout en intimité !

Spectacle suivi d'un débat autour des thématiques du spectacle

Dès 10 ans / 40 min.

REFACE est une recherche physique et musicale autour de l'idée de transformation et de déformation des matières.
Tout n'est que transition : notre corps, la mémoire, l’environnement social, les relations amoureuses, etc.
Nous travaillons sur cette instabilité à l'échelle intime car les visages et les émotions sont pour nous troubles et pluriel.le.s. REFACE veut rendre visible ces métamorphoses imperceptibles et incessantes qui rendent manifeste la complexité de notre identité. REFACE est donc un terrain où jouer, où se prendre pour un.e autre. Qui est-ce ? Qu’est-ce que ce c'est ? Un fantôme ? Un enfant ? Le rire ou la terreur ?

Une coproduction de L’étoile du nord

Dès 12 ans / 30 min.

S’il n’y a rien d’exceptionnel, qu’avons-nous à partager ?
Sans virtuosité, sans tourner sur la tête, sans style magnifique et sans sortir les grands mots, qu’est-ce qui fait danse, et de quoi parle-t-on ? Balkis Moutashar, chorégraphe et danseuse, invite Lucie Rico, autrice, pour un duo mêlant les mots aux mouvements.
Un duo fait de gestes discrets, de petites modulations et de légers arrangements, à la recherche de la saveur particulière, d’une certaine simplicité, et de ce qui se joue en dessous de l’extraordinaire, du prodigieux, du remarquable ou du supérieur.

Dès 10 ans / 40 min.

« La grande aventure, c’est de voir surgir quelque chose d’inconnu, chaque jour, dans le même visage. »
Avec cette phrase d’Alberto Giacometti commence l’exploration par Joachim Maudet d’un corps vu comme un organisme évocateur, d’où se dégagent formes, figures, vibrations et sonorités.
Avec Sophie Lèbre, il et elle parcourent des états de corps où les sons produits percutent les qualités gestuelles explorées, comme pour les dérouter. Main dans la main, ils embarquent le public dans un voyage tragi-comique entre ce qui est vu et entendu, signifié et interprété.
Première pièce du chorégraphe Joachim Maudet, ˈstɔːriz est une performance ventriloque inclassable, une ode à la musicalité du corps, une pièce qui cultive l’art de la bascule.

Dès 8 ans / 25 min.

Un être arrive d’un endroit où il a vécu un désenchantement. L’espace qui s’offre à lui est délimité par les spectateur.trice.s.
Ici, il pourra faire illusion. Ici, il se donnera l’illusion d’être autre, d’habiter un autre corps.
Il ne sera pas question de représentation mais plutôt d’une présentation. Il sera donné à voir la multiplicité de cet être hybride, une affirmation de la pluralité des corps et des émotions.
Le sacre d’un langage nouveau qui ne serait pas tout à fait lisible, pas tout à fait cohérent mais incarné et vécu.

Un événement organisé par Danse à tous les étages et L’étoile du nord, en partenariat avec le Centquatre, Spectacle vivant en Bretagne, l’ODIA Normandie et Musique et danse en Loire-Atlantique

Dès 10 ans / 50 min.

Inviter des artistes avec chacun.e des savoirs, des disciplines et des influences diverses. Une démarche ouverte et une confrontation fructueuse, avec une envie précise en tête : observer jusqu’où peut résister la pratique du breakdance dans sa forme la plus traditionnelle. La compagnie Flowcus vous embarque pour une aventure entre vivant, break et respiration.

Dès 15 ans / 35 min.

Oxymore est un duo masculin qui aborde le monde de la nuit.
Dans cet environnement à la fois violent et érotique, Maxime Cozic a souvent été frappé par le changement qui peut s’opérer dans le comportement d’un individu, très souvent exacerbé par la prise d’alcool.
Oxymore est une pièce qui donne à voir différentes modalités du rapport de force qui existe dans ce contexte, entre deux personnages qui, bien qu’évoluant ensembles comme deux amis, finissent par s’écraser mutuellement.

Dès 15 ans / 35 min.

Vivant dans un monde connecté où les nouvelles peuvent nous atteindre en permanence, la préservation de notre équilibre devient alors un défi quotidien. Même sans technologie, Théophile Bensusan remarque que la violence est omniprésente depuis toujours ; dans les livres d’histoire et chansons, dans les légendes et la mythologie, la peinture et le cinéma, elle est racontée et même sublimée dans tous ses degrés.
C’était pour lui comme une expérience sociale, voir la vidéo de George Floyd, assis sur son canapé de l’autre côté de l’Atlantique. Le paradoxe était brutal. Théophile a vu en lui se créer un cocktail d’indignation, de rage et de tristesse, ces états d’âmes rebondissaient sur les murs de son appartement pour revenir au point de départ. Ces sentiments nécessitaient une transformation et leur activité cathartique.
Voilà vient de ce besoin. C’était le début d’une observation de la violence, de ses différentes formes et nos manières de la perpétuer, verbalement ou physiquement, aussi bien avec soi qu’avec l’autre. À travers Voilà, Théophile met en lumière les différentes manières dont la violence habite nos corps, les signes de débordements, les réactions explosives, instantanées, extrêmes, décalées, souterraines et étendues dans le temps.

En partenariat avec Les Petites Scènes Ouvertes

Dès 6 ans / 45 min.

Est-il possible de composer un seul solo qui offrirait deux sens de lecture différents ?
Le dispositif bi-frontal est apparu comme source d'inspiration, comme point de départ de cette création chorégraphique et scénographique. En entrant dans la salle, les spectateur·trice·s choisissent leur "camp": la tribune dans laquelle il·elle·s veulent prendre place.
Le solo se déroule entre les deux publics, dans un constant changement d’adresse, sans recherche d'équité.
En mettant le public en miroir, l’attention se porte sur la performeuse mais également sur la tribune d’en face. N’ont-il·elle·s pas accès à plus d’informations que nous ? Et si certaines informations n’étaient seulement adressées qu’à une moitié du public ?
FOR YOU / NOT FOR YOU est aussi une recherche autour d'une physicalité changeante qui bascule de la face A à la face B.
La performeuse slalome dans cette dualité, voire cette multiplicité de personnages qu’elle révèle au cours de cette chorégraphie à deux têtes. Ce jeu du caché / montré, du visible / ou non, de basculement d’un personnage à l’autre, guide le regard du spectateur dans un zapping de mouvement presque cinématographique.
L’un des solo, frénétiquement dansé, adresse frontalement un des public, comme un concert, une danse virtuose et complexe, rappelant les chorégraphies millimétrées des Black Pinks.
Et de l’autre côté, quand la lumière bascule, un tout autre univers. Le négatif de cette chorégraphie spectaculaire se révèle, une plongée dans l’arrière, le "backstage" du spectacle, la construction d’un espace imaginaire et pratique. Cette “machine à spectacle” que Solène a développée invite les deux groupes de spectateurs à devenir lecteur, acteur, allié et parfois même décor de cette performance.

Dès 10 ans / 25 min.

Échine évoque le dos, à la fois de l'être humain, mais aussi de l'animal.
Le corps sur scène n’est plus simplement un corps assigné femme, mais un corps matière.
Ce projet autour de la mobilité de la colonne vertébrale est moteur d'imaginaires multiples, qui jouent avec les frontières de l'apparition / disparition d'une forme mi-humaine, mi-faune en constante transformation.
Le corps machine et l'animal machine sont des entités qui sont traversées profondément dans l'écriture du projet.

Dès 10 ans / 45 min.

MAGDALÉNA est un duo chorégraphique qui puise son inspiration dans la musique des Variations Goldberg de Jean-Sébastien Bach. C’est une musique qui fascine, tant par sa dimension émotionnelle que par la complexité de sa composition labyrinthique.
Oscillant entre exercices codifiés et déploiements sensibles MAGDALÉNA met en lumière ce qu’il se joue dans la rencontre de ces notions au prime à bord opposées.
Cet objet immersif, invite le spectateur à la divagation et à l’appréciation de ses propres sensations.

Dès 8 ans / 40 min.

Deux figures sont en quête d’exploration. Emplis de violence gracieuse, entre amour et haine, ces deux corps cherchent leur voie.
À travers leur périple, ils attaquent et défendent des territoires, ils y découvrent le cratère d’une montagne. En éruption, ce volcan délivre le feu. La lave rouge nourrit leur rage intime et délivre leur voix. Dans une atmosphère en tension où rien n’est prévisible, les deux performeurs nous embarquent dans leur voyage, interchangeant constamment leurs rôles pour en faire un jeu chorégraphique absurde, un duo exaltant entre cruauté et douceur.
Nos FEUX déploie ce qui bouillonne à l’intérieur d’un volcan imaginaire et de deux corps : lave, pulsions, désirs, chansons, rêves et visions.